Les beaux-arts dans l’espace public, ou la disparité du décloisonnement de l’art : une étude de cas féministe
Publié le 08 octobre 2021 par Émy Charron-Milot
Les beaux-arts dans l’espace public, ou la disparité du décloisonnement de l’art : Une étude de cas féministe
Bonjour chers lecteurs et chères lectrices,
Dans le cadre du présent billet, je m'attarderai à la question des beaux arts dans les arts publics ainsi qu'à la question féministe. Avant toute chose, j'aimerais souligner que si j'adopte une approche féministe, il est nécessaire de reconnaître les identités qui existent au-delà de la compréhension binaire du genre.
Pour débuter, définissons les beaux-arts. Je doute qu'une présentation exhaustive de l'histoire des beaux-arts vous intéresse, c'est toutefois une composante importante du sujet qui nous concernera ici. J'en ferai donc un bref survol, lequel sera suivi par deux analyses artistiques et contextuelles.
Définir les beaux-arts et la disparité genrée
En tentant de choisir la façon la plus appropriée d'aborder la définition des beaux-arts (ou fine arts en anglais), j'ai consulté diverses entrées de dictionnaire pour le terme, lesquelles se sont révélées plus ou moins équivalentes. Ainsi, j'ai comparé ces définitions, comme elles ont été présentées par sept dictionnaires différents. Au terme de cet exercice, j'ai pu constituer une définition condensée:
Les beaux-arts sont constitués d'arts plastiques et graphiques, comprenant la peinture, la sculpture, la gravure et l'architecture, voire la musique et la danse dans les compréhensions plus élargies, qui, par contraste aux arts appliqués et décoratifs, servent un but strictement esthétique 1.
En ce qui concerne les beaux-arts dans le domaine de l'art public, toute œuvre exposée dans l'espace collectif peut être considérée en tant que tel. Si la sculpture et l'architecture figurent parmi les formes d'art public les plus répandues, la peinture y participe aussi. À titre d'exemple, considérons l'œuvre peinte de Pierre Blanchette, intitulée 11e heure (1997). En dépit de sa création en atelier et du fait qu'elle n'était pas originellement destinée à être accrochée dans le pavillon Joseph-Armand Bombardier de l'Université de Montréal (Art pour tous 2010), l'œuvre est tout de même considérée en tant qu'art public.
Ce type de compréhension binaire, entre Beau et praticité, établit invariablement une notion hiérarchique de l'art, où les œuvres purement esthétiques sont comprises comme étant plus prestigieuses que celles servant un but utilitaire. Est-ce qu'il ne suffit pas de considérer l'appellation « beaux-arts » pour s'apercevoir d'un parti pris à son égard?
Il va sans dire que la conception éminemment occidentale de la traditionnelle catégorie des beaux-arts est remise en question, notamment par le biais d'un art contemporain éclatant les catégories et les disciplines. L'art public contribue également à la déconstruction d'une vision élitiste des beaux-arts. De fait, l'exposition extérieure d'œuvres, auparavant cantonnées à l'enceinte du musée et d'autres institutions artistiques, permet à un plus grand public de les apprécier. Leur présence dans l'espace public apparait comme un moyen efficace de contrer la croyance d'un raffinement supérieur des beaux-arts, lesquels nécessiteraient une habileté exceptionnelle selon la compréhension anglophone du terme « fine art ».
Tout est bien qui finit bien? Malheureusement, non. Si l'art public effectue un important pas vers une reconnaissance élargie et inclusive de l'art, en offrant une plus grande accessibilité, certaines inégalités demeurent.
Au moment de débuter mes recherches en vue de la seconde entrée de blogue, j'ai rapidement été confrontée à un obstacle majeur: le manque de diversité dans les beaux-arts publics à Montréal. Il m'est d'emblée apparu qu'un grand nombre d'œuvres publiques, répondant à la catégorie des beaux-arts, sont produites par des artistes majoritairement masculins et caucasiens. À titre de comparaison, j'ai apperçu davantage de diversité, tant au niveau des artistes que des sujets, dans la catégorie des murales à Montréal (gardons cela en tête pour la prochaine entrée de blogue). Je me suis, par ailleurs, demandé si le faible taux de participation des artistes, dit·e·s issu·e·s de la diversité, aux beaux-arts indiquait une résistance de la scène artistique à la différence ou s'il était plutôt tributaire d'un intérêt négligeable de leur part pour cet art.
À la lumière de cette découverte, est-il possible d'affirmer que l'art public a permis le décloisonnement des beaux-arts?
Bien qu'il faille tout de même noter le multiculturalisme, proprement montréalais, qui s'illustre aisément dans les beaux-arts publics, les artistes de la diversité forment une minorité au sein d'une production nettement masculine. Or, comme le souligne pertinemment l'historienne de l'art Griselda Pollock, si les femmes ne sont pas adéquatement représentées en histoire de l'art, et, par extension sur la scène artistique actuelle, c'est qu'elles ont été mises à l'écart du discours dominant, et non pas qu'elles y sont absentes (citée par Creissel et Zapperi 2018). Il est donc impératif de souligner leur production artistique, afin de renverser cet effacement. De fait, je m'attarderai maintenant à deux œuvres d'art public, particulièrement saisissantes, de Shirley Witebsky (1925-1966) et de Valérie Blass (1967- ).
Symposium international de sculpture et essentialisme féminin
Le Symposium international de sculpture, tenu du 22 juin au 17 aout 1964 sur le Mont-Royal à Montréal, a été une première en Amérique du Nord (Art public Montréal 2021). L'évènement réunissait douze sculpteurs en provenance de neuf pays, dans une volonté de partage, d'échange avec le public et de création in situ dans l'espace public (Fisette 1989). A priori, rien ne sort de l'ordinaire, n'est-ce pas? Il s'agit même d'un important évènement dans l'établissement de Montréal sur la scène internationale en matière d'art contemporain et d'art public. Attardons-nous alors aux artistes-invités, lesquels étaient Irvin Burman, Agustín Cárdenas, Louis Chavigner, Eloul Kosso, Krishna Reddy, Josef Pillhofer, Robert Roussil, Carlo Sergio Signori, Yérassimos Sklavos, Pierre Székely et Armand Vaillancourt. On s'aperçoit qu'il manque un nom à la liste, celui de Shirley Witebsky. Comment expliquer la sculpture de cette dernière, qui est exposée parmi les onze autres qui subsistent à ce jour entre le Lac aux Castors et la Maison Smith? En fait, la sculptrice et graveuse, originaire du Minnesota, accompagnait Reddy, son mari, au Symposium et elle y a été admise par un concours de circonstances, lorsque l'artiste représentant les États-Unis s'est désisté (Bureau d'art public de Montréal 2021).
Par conséquent, Witebsky crée l'œuvre Sans titre (1964), une sculpture abstraite à la forme, à la fois, rectangulaire et ovoïde, et ce, à partir de calcaire qui devait originellement servir à l'œuvre de Reddy (Site officiel du Mont-Royal 2021). De petite taille, elle possède un fini poli, qui oppose un contraste avec le socle d'apparence brute, lequel mesure environ la moitié de sa hauteur et expose les marques du travail de l'artiste, notamment à travers les nervures taillées dans la pierre. L'œuvre en ronde-bosse s'observe de tous les côtés. Tandis que l'on peut voir le centre percé irrégulièrement d'un côté, l'autre présente un ensemble de saillies arrondies. Witebsky emploie un vocabulaire plastique évoquant des courbes, des ondulations et des lignes sinueuses.
Les circonstances ayant déterminé la participation de Witebsky au Symposium étaient, certes, décevantes, mais la réception de son oeuvre envenime résolument la situation. Il est d'ores et déjà possible d'anticiper un discours entre la taille des sculptures et le genre, l'œuvre de Witebsky étant la plus petite à émerger du Symposium. À ce niveau, sa sculpture contraste fortement avec le reste des créations du groupe, et ce, malgré les contraintes matérielles logiquement engendrées par une telle création impromptue. Il suffit de la comparer à l'œuvre de Roussil (à consulter sur le site de la BAnQ Numérique), détruite quelques années plus tard, ayant été jugée dangereuse par la ville de Montréal (Fisette 1997). En outre, ce sont surtout les interprétations de la sculpture qui méritent d'être soulevées. Voici certains fragments ayant retenu mon attention lors de mes lectures sur l'œuvre de Witebsky: « formes organiques et voluptueuses [...] exprime la sensualité [...] évoquent la maternité, la féminité et la sexualité. » (Site officiel du Mont-Royal 2021), « complaisance plus sensuelle à arrondir les formes » (Viau 1964-65: 29), « une certaine sensualité se dégage » (Bureau d'art public de Montréal 2021).
Ce qui ressort de ces analyses interprétatives de la sculpture Sans titre par Witebsky, c'est la généralisation d'un essentialisme féminin. Cette théorie philosophique institue l'existence d'une entité universelle, déterminée par la constitution biologique. En ce sens, il existerait un art fondamentalement féminin, lequel est réduit à l'anatomie féminine et à ses spécificités, typiquement la maternité ou la délicatesse. À la lumière d'une telle théorie, réexaminons les termes clefs des interprétations citées un peu plus tôt, c'est-à-dire féminité, maternité, sensualité, sexualité et volupté. Dois-je souligner que les autres sculptures réalisées lors du Symposium ne sont pas soumises à des analyses soulignant la paternité ou la sexualité de l'artiste? Au contraire, ces interprétations s'attardent davantage à la matérialité des œuvres ou à l'intériorité de l'artiste qui les a créés 2. À cet effet, la notice rédigée à l'endroit de la sculpture Sans titre (1964) de Reddy sur le site web du Bureau d'art public de Montréal est particulièrement intéressante. On y cite le Dr. Otto Bengle, l'un des organisateurs du Symposium, alors qu'il souligne « le courage et la tenacité de ces deux sculpteurs [Reddy et Witebsky] dont la puissance réside [...] dans leur spiritualité.» (cité par le Bureau d'art public de Montréal 2021). Si le couple d'artistes fait semblablement preuve de courage et de tenacité, on ne mentionne pas cette description avantageuse sur la notice électronique de Witebsky. Il est pertinent de se questionner sur ce choix, à savoir s'il a été motivé par une économie d'espace ou s'il serait plutôt relié à la construction d'une perception particulière de chaque artiste.
La présence d'artistes femmes sur la scène artistique, soit-elle internationale ou montréalaise, ne signifie pas nécessairement une parité dans le traitement reçu ou dans la réception des œuvres produites. Le Symposium international de sculpture du Mont-Royal l'illustre pertinemment. Gardons toutefois en tête que le Symposium de 1964 s'est tenu à la lisière d'un flot de contestations féministes dans les sociétés occidentales durant la décennie 1970, qui contribuera, de pair avec l'héritage post-automatiste du groupe du Refus Global (1948), à changer la scène artistique et culturelle au Québec (Beaudry 2014: 8).
Subvertir la sculpture et le regard dominant
La sculpture de Valérie Blass, intitulée Sculpture bidon (2012), participe, du reste, à un contexte de remise en question des formes artistiques et de certaines de ses composantes inhérentes, tel que le rapport de pouvoir entre regard(eur) et objet du regard.
Blass est une sculptrice montréalaise, dont l'œuvre profite d'un rayonnement à l'international. Sculpture bidon s'accorde, par ailleurs, avec sa production artistique actuelle, axée sur un questionnement des formes, des matériaux et de la sémantique ainsi que sur les rapports entretenus entre ces divers éléments (Parisian Laundry 2015). De fait, l'œuvre est composée d'une stèle funéraire en granit, de teinte charbon, montée sur une petite base, et de deux photographies gravées au moyen d'une impression-laser sur chacune des deux faces (Mathieu 2014). Au recto, on aperçoit une figure féminine, dont le corps est couvert de symboles géométriques, qui est accroupie vers l'avant, un pied posé sur une caisse de bois retournée et l'autre, monté sur une chaise posée devant elle. Sa tête, sur laquelle est posé un imposant maillet, repose sur le dossier de ladite chaise. Au verso, l'image est semblable, si ce n'est que le maillet sur la tête du modèle a été remplacé par une masse rebondie, aux motifs géométriques, reposant au sommet de son dos.
Sculpture bidon possède un titre évocateur, qui autoréférence la sculpture à travers, notamment, par la présence du maillet dans la composition. Il est intéressant de souligner que le cœur de l'œuvre se situe dans les photographies gravées et que la troisième dimension est de moindre importance, contrairement à ce qui est de coutume dans la sculpture (Art public Montréal 2021). De plus, l'œuvre soulève un questionnement des traditionnels rapports de pouvoir inégaux entre le modèle, habituellement féminin, soumis au regard masculin de l'artiste et, dans une certaine mesure, du public (Cresseils et Zapperi 2008). La posture de la figure est manifestement inconfortable, étant soumise aux poids accablants des différentes masses qu'elle supporte.
L'œuvre de Blass se trouve dans la collection d'art public du Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et elle est exposée dans le jardin des sculptures , un espace extérieur, longeant différents pavillons, dédié à la présentation des vingt-deux œuvres d'art public du musée. Lorsque je suis allée voir l'œuvre in situ, un parallèle entre l'allée du jardin des sculptures du MBAM et un cimetière m'est apparu. Effectivement, le vocabulaire funéraire évoqué la stèle funéraire de Sculpture bidon nous donne l'impression de circuler dans un cimetière où reposent différentes œuvres d'art public, lorsqu'on déambule sur l'Avenue du musée. Cette réalisation soulève différentes interrogations, à savoir peut-on imaginer la mort de la sculpture telle qu'on la conçoit? S'agit-il d'un appel à une tabula rasa et à un renouveau des beaux-arts?
Si le pied d'égalité en matière de genre n'est pas totalement atteint dans le monde artistique, comme l'a pu démontrer mon analyse (rapide) des beaux-arts, ou plutôt de deux œuvres d'art public, la situation demeure en constante transformation. L'art public et des beaux-arts à Montréal sont des sources inépuisables de réflexion, notamment sur les rapports de force et de pouvoir inégaux. Similairement, les murales de la ville illustrent une grande richesse quant à la représentation de la diversité artistique.
Notes
1 : Les dictionnaires consultés sont le Grand Robert, le Larousse, le Multi-dictionnaire de la langue française, le Grand dictionnaire terminologique, le dictionnaire Usito, l'Oxford Dictionnary et le Cambridge Dictionnary. ↩️
2: Les notices consultées ont été publiées sur le site du Bureau d'art public de Montréal, du site officiel du Mont-Royal et dans un article par Guy Viau, datant de 1964-65. Voir bibliographie.↩️
Bibliographie
ART POUR TOUS (2010). Art pour tous, Centre d'exposition de l'Université de Montréal, [En ligne]. Consulté le 08 octobre 2021
ART PUBLIC MONTRÉAL (2021). Art public Montréal, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
BEAUDRY, Lucille (2014). « L’art et le féminisme au Québec : aspects d’une contribution à l’interrogation politique », Recherches féministes, 27(2), p. 7–19, [En ligne]. Consulté le 05 octobre 2021
BUREAU D'ART PUBLIC (2021). Art public, ville de Montréal, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
CREISSELS Anne et ZAPPERI Giovanna (2008). « Questions d’identité sexuée : l’histoire refoulée de l’art », Histoire de l'art, 63, p. 155-162 [En ligne]. Consulté le 05 octobre 2021
FISETTE, Serge (1989). « Des symposiums, un aperçu », Espace Sculpture, 5(3), p.12–13, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
FISETTE, Serge (1997). Symposiums de sculpture au Québec 1964-1997, Montréal: Centre de diffusion 3D.
MATHIEU, Gabrielle (2014). « Du mensonge de la représentation. Théâtre d’objets de Valérie Blass », Artichaut Magazine, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
PARISIAN LAUNDRY (2015). « Valérie Blass », Parisian Laundry, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
SITE OFFICIEL DU MONT-ROYAL (2021). « Patrimoine artistique et commémoratif », Site officiel du Mont-Royal, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
VIAU, Guy (1964). « Un symposium sur le Mont-Royal », Vie des arts, (37), p.26–31, [En ligne]. Consulté le 07 octobre 2021
Suggestions d'œuvres d'art public
Voici deux œuvres de la catégories des beaux-arts que j'ai découvertes lors de mes recherches. Bien que je n'aie pas eu l'occasion de les analyser ici, elles sont garantes de votre intérêt:
- Give Peace a Chance (2009) par Linda Covit, Marie-Claude Séguin et le groupe Cardinal Hardy et associés
- La Place du temple (1990) par Tatiana Démidoff-Séguin